En Bellas Artes Cuenca sabemos que la formación va más allá de las clases. Por eso, además de las actividades lectivas habituales, desarrollamos un intenso Programa de Profesores Invitados que ha permitido que, durante un solo curso, nos hayan visitado más de 100 artistas de la talla de, entre muchos otros, Isidoro Valcárcel Medina, Antoni Abad y Daniel Canogar.

Durante este curso, todos nuestros estudiantes han podido acudir a 22 conferencias, 24 talleres y 27 conciertos, performances y otros eventos artísticos.

Visto de otro modo: 1 actividad cada 2 días lectivos.

La Facultad de Bellas Artes junto con el Departamento de Arte comienzan, desde el lunes 3 de noviembre y hasta finales de año, un ambicioso ciclo de conferencias, talleres y actividades en las que tendremos la oportunidad de contar como profesores invitados con relevantes figuras del panorama artístico contemporáneo.

En esta página encuentras la programación del Programa de Profesores Invitados 2014/15 realizada a lo largo del primer cuatrimestre del curso 2014/15, pero si lo que buscas es la programación del segundo cuatrimestre, la puedes encontrar aquí.

Antoni Abad. Conferencia. Lunes 3 de noviembre.

Emilio Tomé. Taller. Martes 4 y miércoles 5 de noviembre.

Xavier Monsalvatje. Conferencia + Exposición. Miércoles 5 de noviembre.

Kiev cuando nieva. Concierto. Viernes 7 de noviembre.

Comenzamos la primera semana del Programa de Profesores Invitados de la Facultad de Bellas Artes y el Departamento de Arte del curso 2014/15, nada más y nada menos, con una conferencia de Antoni Abad en la que nos hablará del proyecto ‘Megafone.net’:

“megafone.net: un dispositivo colaborativo de publicación móvil en la web

Desde 2004, megafone.net invita a grupos de personas marginadas a expresar sus experiencias y opiniones. Mediante el uso de teléfonos móviles registran y publican, de forma instantánea en la Web, mensajes de audio, vídeo, texto y foto. Los participantes transforman estos dispositivos en megáfonos digitales, capaces de amplificar sus voces individuales y colectivas a menudo ignoradas o desfiguradas por los medios de comunicación hegemónicos.

Imagen y texto, fuente: Antoni Abad

 

Antoni Abad nació en Lleida en 1956. Ha vivido desde niño dentro de un ambiente artístico e intelectual: su madre es poeta, su padre era escultor. “Yo tenía un padre escultor”, recuerda, “que nunca hablaba de escultura, pero siempre hablaba de fuerza. No sé qué es fuerza, pero lo entiendo perfectamente”.

En 1979 se licenció en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Ese mismo año, comenzó a exponer públicamente sus obras, que han ido alcanzando una resonancia creciente tanto dentro como fuera de España. Harald Szeemann lo seleccionó para la Bienal de Venecia, en 1999, donde presentó Últimos deseos (1994) y Love Story (1998).

Texto, fuente: El Mundo 

No te la pierdas, ya sabes, el lunes 3 de noviembre, a partir de las 11:00 h. en el Aula 1.06. Hasta completar aforo.

Puedes leer más acerca de megafone.net de Antoni Abad en hoyesarte.com

El martes 4 y miércoles 5 de noviembre os invitamos, previa inscripción, al taller de observación y registro “PRÁCTICA ARTÍSTICA Y CORPORALIDAD: LA TEATRALIDAD EN LA ESCUELA” que impartirá el artista Emilio Tomé.  Los horarios serán: martes de 11:00 h. a 14:00 h. y de 15:00 h. a 17:00 h. y miércoles de 10:00 h. a 14:00 h.

En este taller se plantea un acercamiento metodológico abierto mediante el cual cuestionar, analizar y observar el entorno educativo como lugar e investigar los códigos, convenciones, espacios, relaciones, corpo-realidades, contaminaciones, tensiones, operaciones, acciones, intercambios, estructuras de poder, tiempos y formas de vida que le son propios. Investigaremos la teatralidad que conforma, sostiene y legitima su estatus de “entorno educativo” y para ello trataremos de re-conocer nuestro cuerpo como herramienta de exploración y su capacidad para involucrarse como presencia. Trataremos de sostener la dialéctica entre el observador y lo observado, cultivando una cierta forma de ambigüedad. ¿De qué modo la performatividad de nuestras presencias e intercambios condicionan, nutren o ahogan nuestra vitalidad como agentes activos de la enseñanza y el aprendizaje? ¿Cuándo la teatralidad implicada en el entorno educativo se convierte en instrumento de sometimiento y reproducción ideológica y cuándo en potencia disidente y capacidad de empoderamiento?

Objetivo del curso

El objetivo del curso es el desarrollo de proyectos práctico-teóricos específicos basados en el análisis de modos de teatralidad social vigentes en nuestro entorno educativo y el desarrollo posterior de intervenciones en dichos entornos.

Se trata de trabajar en el cruce entre la teatralidad artística o discursiva (sea practicada o no por artistas) y las teatralidades sociales (hegemónicas o disidentes).

Inscripciones:

Las inscripciones para el taller se deben hacer en el despacho de gestión de apoyo a la docencia (frente a conserjería) antes del viernes 31 de octubre. Planos de la facultad.

Número de plazas: 20

Organiza: Facultad de Bellas Artes/ Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria/ Proyecto Teatralidades Disidentes (HAR2012-34075).

Colabora:

Xavier Monsalvatje.

Conferencia “El elemento industrial como influencia en el proceso artístico”

El miércoles 5 de noviembre a las 16:00 h. en el Aula 1.07 B (Planos de la facultad).

Más información en: www.xaviermonsalvatje.com

Exposición “En peligro permanente”

En peligro permanente es un proyecto que crea una iconografía inusual en la cerámica decorativa. Ya no son los motivos hagiográficos y míticos de la cerámica greco-romana; ni los dibujos ornamentales, en cuencos, platos y jarrones, en todas las culturas cerámicas. La obra de Monsalvatje plasma, con el azul de cobalto, formas paradójicamente armónicas del caos. Los rasgos del horror, esbozados antes, se convierten en una obra plástica brillante e hipnótica. No es una bandera del compromiso, la denuncia o la indignación, sino una obra comprometida, ya desde sus inicios, en diseccionar la memoria de las sociedades, recuperando en una taxonomía simbólica, como labor enciclopédica ilustrada, lo que define y, no queremos saber, configura nuestras vidas en peligro permanente.

La cerámica ha atraído a lo largo del tiempo a diversos artistas, fascinados por los resultados espectaculares y las cualidades plásticas de esta milenaria técnica, pintores o escultores que con más o menos fortuna acorde con sus dotes artísticas han explorado por este fascinante universo de la cerámica. En este sentido, la pluridisciplinar obra de Xavier Monsalvatje muestra su singular idiosincrasia plástica dentro del panorama nacional, al adaptar la instalación, el volumen, el soporte pictórico y el dibujo a su íntimo y excelente proceso de investigación dentro del campo cerámico.

Sargadelos (Lugo), La Rambla (Córdoba), Fuping (China), Bornholm (Dinamarca), Wisconsin, Filadelfia (USA), Can (Turquía) son algunos de los lugares en donde se ha desarrollado este proyecto, del que podemos ver aquí una pequeña muestra. Es un proceso creativo que tiene su continuidad en el próximo año en el Yingge Ceramics Museum, Taiwan.

Más información en: www.xaviermonsalvatje.com

Profesora responsable: Profª. Herminia Martínez.

Cerramos la primera semana del Programa de Profesores Invitados de la Facultad de Bellas Artes y el Departamento de Arte del curso 2014/15 con el concierto de la banda de antiguos alumnos de la Facultad ‘Kiev Cuando Nieva’:

‘Kiev Cuando Nieva’ nace a finales de los 90 como espacio en una radio universitaria de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Desde entonces Antxon Corcuera y los hermanos Aquilué; Javier (Tres Estrellas) y Carlos (Tres Estrellas, En); han labrado con los años una carrera ajenos a los caminos más trillados de la escena alternativa pop, hasta consolidar a Kiev como una de las bandas más interesantes en el panorama del la independencia española actual.

El trío oscense elabora canciones esquivas en concepción, pero siempre reconciliables, que con el paso del tiempo se van erigiendo obligatorias, fraternales. Dar nueva forma a la cotidianidad mediante un verbo austero (aislado es cuasi imperceptible) con el que logran exponer el brillo de lo ignorado, algo solo alcanzable en el espacio abierto entre la sencillez y esa huidiza impresión que es palpar la potencia más subjetiva, la poesía.

Imagen y texto, fuente: ‘Kiev Cuando Nieva’ en Repetidor Disc

Al término del concierto os animamos a traer vuestras fiambreras y celebrar un PIC-NIC colectivo (sólo para alumnos de Bellas Artes).

¡No te lo puedes perder!

César Mendoza. Taller. 10 y 11 de noviembre.

Gonzalo Pernas. Conferencia. 12 de noviembre.

Julio Sanz. Conferencia + Concierto/Performance. 12 de noviembre. SUSPENDIDA POR CAUSA MAYOR.

Kamen Nedev. Taller. 14, 21 y 28 de noviembre.

Mujeres Públicas. Taller-Seminario. 14 y 15 de noviembre.

César Mendoza (Investigador invitado). Maestría en Imagen, Arte, Cultura y Sociedad. Universidad autónoma del estado de Morelos, Cuernavaca, Méjico.

Ofrece un taller práctico de tres sesiones en dos días sobre procesos fotográficos alternativos como la técnica de la cianotipia y goma bicromatada en 4 colores.

Fechas:

Lunes 10 de noviembre de 11:00 a 15:00 h. y de 16:30 a 20:30h.

Martes 11 noviembre de 9:30 a 13:30 h.

Lugar:

Laboratorios de fotografía

Nº de plazas e inscripción:

Dirigido a los estudiantes de la asignatura de fotografía de 2º de Grado. 20 plazas por orden de inscripción.

Profesora responsable: Profª. Montserrat de Pablo.

Desde las primeras composiciones paisajísticas italianas y nórdicas hasta el expresionismo abstracto norteamericano, lentamente, va prefigurándose toda una tradición pictórica occidental tendente a la confrontación existencial con lo trascendente. Primero encarando la inaprehensibilidad última del paisaje, una vez superados los arquetipos clásicos, y posteriormente, a través de una búsqueda metafísica directa, dicha tradición va redefiniéndose hasta su clausura a mediados del siglo XX. Adviene entonces el nacimiento de una pintura que se reivindica a sí misma, y cuyo sentido espiritual anterior va cediendo paso al formalismo, las abstracciones no gestuales y a las autorreferencialidades estrictamente racionalistas. Los dos grandes puntos de pivotaje de este giro son Modernist Painting (Clement Greenberg, 1961) –manifiesto indiscutido de la pintura pura– y Vir Heroicus Sublimis (Barnett Newman, 1950) –la obra pictórica que mejor representa el tránsito entre los dos mundos citados. La observación de este momento histórico es fundamental para comprender toda la pintura occidental posterior a la década de los cincuenta, y por extensión, todo el arte que se produce en nuestros días.

Gonzalo Pernas es doctor comparativista por Universidad de La Coruña, master en Museoloxía, Museografía e Crítica contemporánea por Universidad de Santiago de Compostela y Licenciado en Bellas Artes por Universidad Complutense de Madrid. Sus publicaciones pueden leerse en medios como Leer, Qué Leer, Álbum Letras-Artes o Revista de Occidente. También pertenece al comité de redacción de Quaderni iberoamericani y colabora habitualmente como docente en Casa del Lector (Matadero Madrid), donde comisarió la muestra Lecturas del Averno (del 4 de abril al 29 de septiembre de 2013).

Más información en el blog de Gonzalo Pernas: Ecos de Arcadia

Profesor responsable: Prof. José Aja.

Taller/laboratorio de introducción a la fonografía social y la investigación sonora militante a cargo de Kamen Nedev, dirigido a alumnos de Máster Investigación y 4º de Grado.

Fechas: 14, 21 y 28 de noviembre de 11:00 a 15:00 h.

Lugar: Aula 2.07

Nº de plazas: 25

Es necesaria la inscripción. Inscripciones, hasta el 12 de noviembre, en Apoyo a la Docencia (Despacho 1.20 A, frente a conserjería). Planos de la facultad.

Sujetos incómodxs, activismo y disidencia feminista en las calles. Una visión desde Argentina a través de Mujeres Públicas.

Fechas:

Viernes 14 de noviembre de 11:00 a 14:00 h. y de 16:30 a 20:30 h. en la Facultad de Bellas Artes.

Sábado 15 de noviembre de 11:30 a 14:00 h. y de 18:00 a 21:00 h. Edificio del Colmillo, UCLM.

Reserva plazas: ana.navarrete@uclm.es

“Mujeres Públicas [Argentina] se autodefine como Grupo Feminista de Activismo Visual, término que le permite subrayar su intención de trabajar entre las artes visuales y el activismo político como campo de cruce propicio y efectivo en la comunicación de sus ideas feministas. Integran el colectivo cinco mujeres: Verónica Fulco y Cecilia Marín (quienes participan sólo los primeros dos años de trabajo), Fernanda Carrizo, Lorena Bossi y Magdalena Pagano.

Como colectivo se propone abordar, desde una perspectiva política, problemáticas especificas de la mujer, partiendo de la creatividad y el impacto visual, entendidos como alternativas a las formas más tradicionales de militancia, que sus integrantes encuentran poco efectivas a la hora de comunicar dichas cuestiones.
Recurren a la denuncia como vehículo para hacer visibles las situaciones de opresión que viven las mujeres como sujetos sociales. La estrategia fundamental es la desnaturalización de los discursos sexistas por medio de la apropiación del espacio público y el diseño de propuestas basadas en la acumulación y la reedición. Utilizan materiales de bajo costo y reproducibles como forma de alejarse de la tradicional obra de arte única. Sus producciones transitan entre los afiches y panfletos callejeros, los objetos múltiples, las intervenciones urbanas y las acciones in situ.” Más información.

Profesora responsable: Profª. Ana Navarrete.

Antonio Collados. Conferencia. 18 de noviembre.

Fred Adam y Verónica Perales. Taller. 18, 19 y 20 de noviembre.

Los Torreznos. Performance + Taller. 20, 21, 27 y 28 de noviembre y 4 de diciembre.

Espacio, escena y contexto. Estrategias de intervención y edición desde la práctica colaborativa del arte

Profesor en el Departamento de Escultura de la Universidad de Granada. Co-fundador de Aulabierta y de otras iniciativas culturales independientes como TRN-Laboratorio artístico transfronterizo, la editorial Ciengramos o la discográfica Grupo de Fe. Coordina junto a Javier Rodrigo el proyecto cultural y de investigación Transductores. Ha colaborado en numerosas publicaciones, actividades y proyectos de investigación nacionales e internacionales sobre políticas culturales, prácticas artísticas colaborativas y procesos artístico-educativos en el espacio público en instituciones como el Centro José Guerrero, UNIA arteypensamiento, MNCARS, Museo de Antioquía (Medellín), Fundación Museos de Quito o los Centros Culturales de España en São Paulo y Costa Rica.

Descubre mucho más en:

www.aulabierta.info
www.transductores.net
www.trn-lab.info
www.ciengramos.com

Profesora responsable: Profª. Ana Navarrete.

Imagen: https://www.trn-lab.info

Narrativa Espacial con GPS Museum

El objetivo principal de este taller es abordar, desde un punto de vista teórico y práctico, el potencial de la narrativa en el espacio público con dispositivos digitales de bolsillo. La idea es ampliar, a través de herramientas de geolocalización, los límites del plano público, como soporte de escritura, lectura y medio ‘dialógico’.

Durante el taller l@s alumn@s recibirán un primer bloque de pautas teóricas y visualización de casos (visión panorámica de las prácticas actuales), con la presentación de nuestra base de datos de proyectos creativos de geolocalización GPS Museum. Abordaremos también, aunque de forma tangencial, la experiencia como artistas del colectivo Transnational Temps a través de obras que se inscriben en las prácticas artísticas geolocalizadas así como en el discurso activista sobre las problemáticas relacionadas con las principales ecologías: individual, social y medioambiental (ecoartivismo). La segunda mitad del taller será eminentemente práctica, realizaremos una intervención en la ciudad de Cuenca. El resultado final se plantea como obra colaborativa y podrá ser experimentada el último día.

Sesiones:

• Martes 18 de noviembre de 12:00 a 15:00 h. y de 17:00 a 20:00 h.
• Miércoles 19 de noviembre de 12:00 a 14:00 h. y de 16:30 a 20:30 h.
• Jueves 20 de noviembre de 10:00 a 14:00 h.

Enlaces de interés:

Base de  datos GPS Museum: www.gpsmuseum.eu

Lab GPS Museum: www.gpsmuseum.eu/lab/

Colectivo artístico Transnational Temps: www.transnationaltemps.net

Lab de escritura Hipermedia y Transmedia de la UMU:  www.um.es/arisgames/

Profesor responsable: Prof. José Ramón Alcalá.

Os invitamos al taller de performance que impartirán Los Torreznos los días 20, 21, 27 y 28 de noviembre y 4 de diciembre en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Aula 1.11).  Planos de la facultad.

Así se presentan ellos:

“Los Torreznos somos un duo que trabaja en el ámbito del arte contemporáneo principalmente a través de la performance y también otros medios sonoros o visuales.

En este taller pretendemos explorar el territorio expresivo de la acción, de la performance, desde los criterios principales que manejamos en nuestros trabajos:

Insistencia. Energía. Presencia física. Humor. Sencillez de recursos. Constricción y Reto.

Estos elementos nos servirán para investigar y entrenar de manera práctica los recursos expresivos de las personas participantes.

En todo caso, se trata de una experiencia para ponerse en juego y desarrollar las posibilidades de uso de nuestra propia presencia como herramienta de reflexión y de creación.”

Estos son los horarios de las sesiones:

Jueves 20 de noviembre de 16:00 a 18:00 h.
Viernes 21 de noviembre de 16:30 a 20:00 h.

Jueves 27 de noviembre de 16:30 a 20:00 h.
Viernes 28 de noviembre de 16:30 a 20:00 h.

Jueves 4 de diciembre de 16:30 a 20:00 h.

Además, el jueves 20 de noviembre a las 19:00 h. compartirán su pieza “La Cultura” en el Salón de Actos de la Facultad. (Acceso libre).

Inscripciones:

Las inscripciones para el taller se deben hacer en el despacho de gestión de apoyo a la docencia (frente a conserjería, Planos de la facultad) antes del 10 de noviembre. Será necesario aportar una carta de motivación en la que se explique si el/la participante tiene experiencia previa en arte de acción y performance y los intereses que llevan a realizar el taller.

Número de plazas: 20

Colabora:

Fuen de Miguel. Conferencia. Lunes 24 de noviembre. SUSPENDIDA POR CAUSA MAYOR.

Carlos Alguacil –Vostok. Conferencia. Martes 25 de noviembre.

Patricia Dauder. Conferencia. Martes 25 de noviembre.

Javi Álvarez. Taller. Miércoles 26 de noviembre y 3 de diciembre.

David Cano. Conferencia. Miércoles 26 de noviembre.

Antonio Sosa. Taller. Miércoles 26 y jueves 27 de noviembre.

Juan López. Taller. Jueves 27 de noviembre y 4 de diciembre.

Joaquín Fargas. Conferencia. Jueves 27 de noviembre.

Fluzo. Concierto. Jueves 27 de noviembre.

Y continúan:

Kamen Nedev. Taller. 14, 21 y 28 de noviembre y Los Torreznos. Performance + Taller. 20, 21, 27 y 28 de noviembre y 4 de diciembre.

Conferencia

Serigrafía sistema de dibujo directo. Sistemas permeográficos no convencionales.

La serigrafía, muy frecuentemente se nos ofrece como una técnica relativamente nueva y con una historia relativamente corta (unida a aplicaciones comerciales) dilatada especialmente en el siglo XX. No obstante, se trata de una de las técnicas gráficas con los orígenes más antiguos y milenarios; una las técnicas que más ha evolucionado en todos sus campos y servicios.

Sus aplicaciones y descubrimientos como técnica junto con sus posibilidades en la gráfica manual, pese a las prácticas artísticas del pasado siglo, se han visto prácticamente eclipsadas con mucha rapidez por la comodidad industrial. La serigrafía es un sistema de reproducción de imagen que ha sabido adaptarse muy rápido y muy bien, por sus propiedades, a las necesidades del mercado y la industria gráfica.

En la actualidad nos olvidamos de sus posibilidades artísticas y tan sólo sustraemos sus posibilidades industriales. Dando por superadas sus posibilidades y aplicaciones plásticas y artísticas. Pese a esto, las aplicaciones industriales de la serigrafía han quedado colapsadas por la evolución de otras técnicas industriales que requieren de menos infraestructura pero, sobretodo, reducen los tiempos del trabajo final. Esta circunstancia ha rebajado el uso de la serigrafía industrial pero ha reabierto nuevas posibilidades plásticas en pequeños talleres. Sería preciso revisar, observar y comprender que una técnica no deja de ser una herramienta que nos facilita una semántica de la que podemos apropiarnos y desarrollar en aras de la expresividad plástica y artística. Esto puede aplicarse desde espacios alejados de la producción mecánica.

Este método de impresión al igual que el resto de sistemas reproducción gráfico, ha evolucionado de la mano de las innovaciones tecnológicas. El referente fotográfico e informático ha viajado y evolucionado con esta técnica.

En muchos casos, el trabajo serigráfico siempre ha estado asociado al trabajo de grandes empresas que disponen de grandes infraestructuras en espacios preparados para asumir el uso de materiales industriales de alto riesgo de manipulación. Solía vincularse a talleres muy especializados y adaptados al uso de consumibles poco recomendables para su uso doméstico.

En la actualidad, los avances tecnológicos nos han brindado la oportunidad de trabajar con materiales muy variados y cada vez más alejados de agentes contaminantes. La supresión de materiales nocivos reabren curiosidades plásticas al alcance de cualquier usuario a través del uso de nuevos materiales. Estos nuevos materiales hacen posible la aparición de talleres con menos exigencias de control toxicológico; entre otras cosas, porque ya no son necesarias.

Mi vinculación a la docencia y al trabajo de taller me motiva a revisar continuamente todos los sistemas de estampación y posibilidades técnicas. Buscando la adecuación de las mismas al contexto en que son requeridas.
En ocasiones

Desde Vostok Printing Shop, trabajamos para acercar las posibilidades técnicas a cualquier tipo de usuario que tenga la inquietud de poner en marcha cualquier proyecto que implique un sistema de estampación manual. Dentro de ese marco, intentamos estar al día de las nuevas posibilidades técnicas; proponiendo soluciones técnicas y animando a que el cliente desarrolle sus propias propuestas.

Este taller pretende hacer una revisión a todas esas posibilidades técnicas y expresivas que ofrece una técnica que pese latir al compás del tiempo radica su esencia en su carácter manual.

La conferencia aquí presentada pretende hacer revisión a los diferentes materiales usados hasta nuestros días en el desarrollo de la serigrafía manual mostrando nuevos materiales y técnicas. En especial, presentando las posibilidades lo que en Vostok Printing Shop hemos denominado: Serigrafía de Dibujo Directo.

OBJETIVOS

• El objetivo principal de esta ponencia es introducir, desarrollar y familiarizar al alumnado de grado con sistemas de trabajo directos sobre la matriz serigráfica.
• Presentar nuevos materiales y maneras de trabajar la obra serigráfica de producción manual. Entender las posibilidades del lenguaje de la técnica y sus exploraciones plásticas.
• Aprender procesos técnicos diferentes a las aplicaciones serigráficas industriales.
• Motivar la puesta en práctica de nuevas formas de trabajar el medio serigráfico.
• Posición crítica y analítica del proceso creativo en la técnica serigráfica. Animar a desarrollar una posición de observación crítica y de autoaprendizaje.
• Explorar individual y conjuntamente, las infinitas variaciones técnicas y usos de la serigrafía.
• Ofrecer conocimientos y herramientas suficientes para que el alumno quede motivado para poner en práctica los conocimientos adquiridos y determinar si es de su interés la aplicación de los mismos sobre el desarrollo de su propio trabajo.
• Presentar soluciones desde la propia experiencia con la intención de estimular nuevas experiencias plásticas.

Profesor responsable: Prof. Ramón J. Freire.

Asignatura asociada: Imagen Impresa II.

Conferencia

El Gran Círculo

El conjunto de mi trabajo, dibujos, películas, telas, escultura y fotografía, responde a una investigación esencialmente visual, sobre la posibilidad por ver y representar más allá del entorno inmediato del mundo físico y objetual. Caracterizado por una marcada cualidad procesual, los trabajos forman parte de ciclos de investigación que se extienden en el tiempo, mas que proyectos cerrados, de manera que a menudo es complicado establecer límites como principio o  fin, o la separación entre obras.

Forma materia y estructura constituyen los medios a través de los cuales percibo, interpreto y proyecto mis emociones sobre el paso del tiempo y la concepción de espacio.

La observación del mundo, de su dimensión fenomenológica tiene un papel importante en mi trabajo. No obstante, las imágenes y objetos que creo mayoritariamente no son producto de la observación directa sino de una aproximación muy mental, de un diálogo íntimo entre materia y pensamiento, en el que tanto el azar como el comportamiento a veces inesperado de los materiales, tienen un papel importante en la manera en que forma y contenido acaecen.

Al incidir  en el espacio blanco del papel , captar algo con la cámara, o modelar una forma en el espacio, parto de una proyección mental muy incipiente sobre percepciones o sensaciones subjetivas que no puedo representar con una morfología clara. A partir de allí empieza un largo proceso de manufactura que va en paralelo a un proceso igualmente largo de reconocimiento de la imagen u objeto. A través de la interrelación entre trazos y manchas, luz y color, espacios vacíos y espacios llenos, la forma va haciéndose y dictaminando los pasos a seguir. Se establece un diálogo entre lo evocado y la forma que tengo delante, un movimiento sucesivo de acercamiento y alejamiento entre la idea y el material.

La confrontación del espectador a mi obra pasa por un proceso similar. No existe una fuente narrativa, una historia o temática concreta a la que atenerse. La exposición pública del trabajo se presenta como una colección de imágenes de diversa índole, dibujos, con imagen en movimiento, proyección de películas o diapositivas, y esculturas, creando una composición sin jerarquías ni vínculos acotados. A pesar de la presentación fragmentada se establece un micocosmos de múltiples asociaciones e iconografías, un reflejo probablemente de mi instinto asociativo, no analítico sino mas bien poético. Es únicamente a través de la observación pausada, que el espectador puede ver sutiles significados y posibles conexiones: la relación entre los opuestos negativo y positivo, masa y vacío, construcción y destrucción, la visualización de la estructura interna de cuerpos, orgánicos o arquitectónicos, la reiteración de la forma circular radial, sistemas representativos como mapas y cosmologías, fenómenos ambientales que suceden a gran o pequeña escala en instantes o en periodos de tiempo muy largos, trazos biomórficos y elementos naturales que se entremezclan con referencias al soporte cinematográfico.

Una de las características mas notables de mi trabajo es la idea de fragmento, especificamente evidente en recientes trabajos en tela y escultura compuestos por múliples unidades fragmentadas esparcidas sobre superficies textiles o directamente sobre el suelo dando pie a una interacción visual entre presencia y ausencia, lo que es visible y lo que no. Quizás esta relación entre lo ausente y lo presente acaba por resultar también una alegoría de mis intereses y actitud como artista.

Profesor responsable: Prof. Raúl Hidalgo.

Taller de sonido renegade y videoartes marciales

Al borde del calypso

Aloha.

En este taller hablaremos de procesos de experimentación audiovisual partiendo del uso de tecnologías sencillas, dispositivos obsoletos, ingeniería doméstica, circuit bending (modificación de juguetes electrónicos) y detrito digital en general. Y tal.

Incidiremos particularmente en el low-fi como proceso, los usos antagónicos de tecnologías domésticas y el amateurismo como estrategia crítica frente a los usos estandarizados de las nuevas tecnologías en el arte. Esto va de transformar algo viejo en algo nuevo, y buscar lo desconocido en lo conocido.

Habrá algo de trabajo de campo. O de interior. Intentaremos conducir los experimentos que se nos vayan ocurriendo hacia una hipotética pieza. La implicación de cada asistente al taller en dicha pieza es personal y en ningún caso es imprescindible que la obra quede cerrada. Lo que nos interesa es poner en marcha procesos de experimentación orientados a generar recursos que puedan integrarse en las actividades habituales de los asistentes.

El objetivo del taller es constituirse en una degradación de sucesos degradándose sucesivamente.

Os dejo, que me está timbrando el cartero. Un saludo.

—Javier Álvarez

Conferencia

¡Identifícate!

Tengo más de 14 años de experiencia como diseñador gráfico y más de 10 en dirección creativa, coordinando y trabajando con equipos de diseño. Me gusta trabajar con marcas, instituciones, personas y productos. 

He estado involucrado en proyectos locales y globales –desde lo corporativo a lo institucional– en todo tipo de medios, impresos, audiovisuales y digitales. Algunos de ellos han sido reconocidos y premiados, algunos han aparecido en publicaciones nacionales e internacionales.

Trabajo con clientes de diferentes sectores: cultura, moda, institucional, corporativo… intentando siempre hacer lo complejo simple y lo informativo interesante. Entender el proyecto, el cliente e intercambiar puntos de vista son los cimientos de cada proyecto. Me gusta tratar con problemas, marcas y personas, no sólo diseñar.

Soy un trabajador de equipo, colaborando y/o dirigiendo equipos multidisciplinares para lograr soluciones de comunicación y de diseño sorprendentes y relevantes. 

Nací en España, finalicé mis estudios de Bellas Artes y un postgrado en el Central Saint Martins de Londres. 

—David Cano

David Cano, actualmente trabaja como Director Creativo en The Brand Union  y uno de sus últimos trabajos destacados ha sido la dirección creativa del proyecto de Branding 360º de Erretres  para Canal+.

Si estás interesado en diseño gráfico e identidad  ¡no te pierdas su conferencia!

Profesor responsable: Prof. Julio Sanz.

Imagen: Erretres renueva la marca CANAL+

Taller

Antonio Sosa

Quizas fuera una manera de hacer que la memoria pasiva perdiera su peso, soltase su lastre.

Para desenterrar a su vez sueños y encuentros necesarios que el ser humano necesita, para revelar lo que el racionalismo no entiende y esconde.

Antonio Sosa (Coria del Río). Su obra parte de lo absolutamente concreto y local para trascenderlo de manera radical. Los temas recurrentes tanto en su obra pictórica como escultórica son: el rito, el símbolo, religión, mitología, erotismo y muerte.

El taller tratará de concretar la idea de materializar con elementos sencillos el anhelo de perder peso de un tipo de memoria pasiva a través del método de vaciado en arena o ceniza.

El taller se ofrece en tres sesiones y dos días y está dirigido a los alumnos de Escultura II. Otros alumnos interesados (indispensable inscribirse vía e-mail antes del 24 noviembre).

Sesiones:

26 de noviembre: de 17:30 a 20:30 h. Aula 0.08

27 de noviembre: de 9:00 a 12:00 h. y de 17:30 a 20:30 h. Aula 0.03

Profesora responsable: Profª. Begoña Goyenetxea.

Imagen: Claudio del Campo.

Taller

Dibujo en la creación artística contemporánea.

En la obra de Juan López podemos rastrear diversas posibilidades estéticas que se producen en los espacios urbanos. La utilización de recursos propios de la publicidad, como imágenes, textos, fotografías, carteles y grafitis le sirven de instrumentos artísticos para dar forma a sus creaciones, y lo hace por medio de la composición, el dibujo, el color, el collage o las video-proyecciones. Un conjunto de operaciones que se cruzan en sus trabajos reflejando la complejidad de la vida y que nos remiten al dibujo entendido como un diagrama con el que discutir el mundo.

Plazas e inscripción:

Las inscripciones para el taller se deben hacer en el despacho de apoyo a la docencia (frente a Conserjería). 20 plazas.

Conferencia

Simbiósis entre el arte, la ciencia y la tecnología, más allá de los límites convencionales.

¿Qué es lo que la arte puede hacer por la ciencia o qué puede hacer la ciencia por el arte?

En la antigüedad, existían culturas que utilizaban la misma palabra para referirse al arte, la cultura, la ciencia y la tecnología, el hombre era considerado como un todo donde la simbiosis entre diferentes disciplinas producían un efecto sinérgico.

Hoy, una nueva generación de artistas está trabajando con la biogenética, cultivos celulares, clonaciones, realidad aumentada y una amplia gama de tecnologías como medios de expresión.

Desde la ciencia grupos de investigadores han comenzado a incluir artistas en sus proyectos ampliando de este modo la mirada científica, generando nuevas perspectivas en el pensamiento. Temáticas ambientales comienzan a ser tratadas también desde el campo artístico.

Profesora responsable: Profª. Herminia Martínez.

Concierto

Fluzo

Desde Santiago de Compostela, Fluzo (Javi y Hevi) confrontan un hip-hop en gallego de electrizante poesía de lo cotidiano con el disloque de una electrónica experimental que sobrevuela varias décadas y que, en última instancia, plantea la cuestión “¿qué hace un tío con tupé en un grupo de hip-hop?”.

—Esperanza Collado

Leer más en Repetidor Disc

Gonzalo R. Cao/ Vanessa Miranda/ Sonia García. Taller. 1, 2 y 3 de diciembre.

Eva Lootz. Taller. 2 y 3 de diciembre.

Peter Bosch/ Simone Simons. Conferencia. 3 de diciembre.

Santiago Giralda. Conferencia. 3 de diciembre.

Y continúan:

Los talleres de Javi Álvarez  (3 de diciembre, última sesión), Los Torreznos (4 de diciembre, última sesión) y Juan López (4 de diciembre, última sesión).

Taller

Gonzalo R. Cao/ Vanessa Miranda/ Sonia García

“Este taller versa sobre, con, contra, tras, en la pintura… vamos al ritmo del más lento y así llegamos todos o buscamos lo absoluto y sólo encontramos cosas… o también escribimos una canción…”

Sesiones:

1 de dicembre: desde las 17:30 h.. Aula 2.01

2 de dicembre: desde las 9:00 h. Aula 2.01

3 de dicembre: desde las ¿?. Aula 2.01

Profesor responsable: Prof. Simeón Saíz.

Taller

Eva Lootz

1. Las bases teóricas del paradigma.

2. Movimientos sociales e “ilustración” ecológica.

3. Las repercusiones en el arte explicado a través de ejemplos.

Sesiones:

2 de dicembre: de 12:30 a 15:00 h. Aula 1.06

3 de dicembre: de 9:00 a 14:00 h. Aula 3.01 y desde las 16:15 h. Visita guiada al Museo de las Ciencias, Cuenca.

Profesora responsable: Profª. Herminia Martínez.

Conferencia

Las máquinas musicales de Bosch & Simons

Desde el principio de nuestra colaboración en Ámsterdam, 1985, hemos abarcado varias y distintas actividades, tales como performances, conciertos y producciones teatrales. A partir de 1990, sin embargo, hemos centrado nuestra atención en la construcción de máquinas musicales. Todas estas máquinas son dinámicas: sonido y movimiento están en desarrollo constante. La mayoría de estas obras son proyectos vibratorios:

“En 1896, Nikola Tesla, uno de los más grandes genios de la era eléctrica, ajustó un pequeño motor oscilante a la viga central de su laboratorio en Manhattan provocando así una poderosa resonancia física que condujo a través del edificio y hasta el suelo, para causar un terremoto que hizo temblar edificios, y rompió cristales y tuberías en un área de doce manzanas. Tuvo que detener el motor a golpe de martillo. Tesla afirmó que podría calcular la frecuencia natural de la tierra y convertirla en una fuerte vibración utilizando un conductor bien ajustado de tamaño adecuado y en un lugar específico.” (*)

Este supuesto aún está vigente en nuestros proyectos vibratorios. Nuestro principal interés no sólo es amplificar una frecuencia, sino crear un complejo sistema en el que varias frecuencias se influyen mutuamente. Buscamos un equilibrio tan frágil que incluso la más mínima alteración podría ser capaz de provocar un resultado imprevisible. De estos proyectos el Krachtgever es la obra más conocida por el Golden Nica que recibió en el certamen Prix Ars Electronica, Linz, 1998. Otros proyectos son Cantan un Huevo que fue premiado en la XXIX edición del Concurso de “Bourges”, 2002, o Aguas Vivas que recibió una mención en el certamen VIDA 6.0, Madrid, 2003.

Esta vinculación con la ciencia está también presente en obras como Electric Swaying Orchestra (1991-92) y Wilberforces (2012-13) que se desarrollaron a partir del péndulo paramétrico y del péndulo de Wilberforce, fenómenos conocidos en la teoría de orden y caos. Y a lo largo de los equilibrios inestables, del orden y del caos, existe el elemento del sonido. La fuerza pura del sonido y el sonido en su más pura manifestación (música) siempre serán parte integral de todas nuestras instalaciones. El sonido, como medio que potencia un lugar especifico, ocupa ese mismo lugar: nuestros proyectos nos permiten generar vibraciones con las que podemos llenar el espacio. Después de todo, las ondas sonoras son también vibraciones.

Bosch & Simons viven y trabajan en Chelva desde 1997.

www.boschsimons.com

(*) De: ‘The Sound of One Line Scanning’ de Bill Viola en Sound by Artists, Walter Phillips Gallery, Banff, Canada,1990, p.43

Profesor responsable: Prof. José Ramón Alcalá.

Conferencia

Rendering Landscapes; nuevos modelos para la representación

En la conferencia Rendering Landscapes; nuevos modelos para la representación, se presentará el proyecto pictórico actual y la trayectoria que ha recorrido mi proceso pictórico hasta la actualidad.

“En esta serie de pinturas reconsidero la concepción del paisaje como constructo, erigido actualmente mediante la utilización de imágenes mediáticas. En el mundo industrial en el que vivimos, necesitamos hacer presente una experiencia de la naturaleza, aunque sea de forma prediseñada.

Las pinturas propuestas remiten a paisajes imaginarios y evocadores que son diseñados a partir de imágenes preexistentes. Los objetos o imágenes representados dejan de tener relevancia por si mismos para componer e insinuar recorridos por el espacio pictórico.

En este proyecto, la pintura es más que el medio, es un fin. Mi posicionamiento a la hora de trabajar mediante la pintura, parte del interés por explorar esa experiencia de taller que rodea la práctica pictórica. Parto de imágenes mediáticas y trabajo con programas de edición, pero sin embargo, no podría dotar a mis imágenes de esa experiencia, temporalidad, carnalidad  e historia específicas de la pintura.

Me interesa la relación que se establece entre la tradición pictórica y las nuevas tecnologías a la hora de la representación y contemplación de un mundo que gradualmente parece estar más digitalizado. En este contexto, mis trabajos proponen la proyección de un espacio donde  mediante la pintura, podamos reflexionar sobre las diferentes formas que tenemos de relacionarnos con un entorno, que cada vez más, es dependiente del medio o dispositivo por el que nos es revelado”.

www.santiagogiralda.com | www.galeriampa.com

Profesor responsable: Prof. Raúl Hidalgo.

Fuen de Miguel. Conferencia. 9 de diciembre.

Maite Garbayo. Taller/ Seminario. 9 y 10 de diciembre.

Nuria Carrasco. Conferencia. 10 de diciembre.

Julio Sanz. Taller + Concierto/ Performance. 10 de diciembre.

Mr. Trazo (Mario Rodríguez). Conferencia + Taller. 10, 11 y 12 de diciembre.

Daniel Canogar. Conferencia. 11 de diciembre.

Diego Gómez. Conferencia. 11 de diciembre.

Conferencia

YAYOI KUSAMA: ATRAPADA EN LA RED INFINITA. Del arte psicótico a la cultura de masas.

En apenas diez años, la carrera artística de Yayoi Kusama (Matsumoto, 1929) ha dado un vuelco inusitado, convirtiéndose en una de las más solicitadas y reconocidas del panorama artístico internacional. La afluencia de público en sus más recientes exposiciones y la plasticidad de sus creaciones, es tal, que ya se ha acuñado el término de Worldwide Kusamania para definir este fenómeno. Su periplo artístico comenzó en EEUU y despuntó entre la vanguardia neoyorquina de los sesenta, pero su obra se vio relegada al olvido durante décadas después de un forzado regreso a su país natal. La enfermedad mental que la aquejaba desde niña había empeorado y decidió internarse en un psiquiátrico donde sigue residiendo –a tiempo parcial- en la actualidad.

Gran parte de su peculiar imaginario y los motivos que repite, casi de forma compulsiva, responden a patrones y esquemas ya estudiados desde el siglo XIX en artistas psicóticos y pacientes alienados. Pero si hay una obsesión que destaca por encima de todas en el trabajo de la inclasificable artista nipona, es su afán por representar el infinito: puntos infinitos, acumulaciones infinitas, instalaciones infinitas… todas sus creaciones parecen encaminadas a expandir los límites de una realidad acotada, de un mundo hostil, mesurable y razonado. Kusama trabaja incansablemente, confesando que su arte es, a un tiempo, enfermedad y cura; sintiéndose abducida por su obra, atrapada en una red infinita, su propia red.

Profesor responsable: Prof. Raúl Hidalgo.

Taller/ Seminario

Cuerpos que aparecen: performance y feminismos en el tardofranquismo 

Se presenta una relectura crítica de algunas prácticas de arte de acción que tuvieron lugar durante los últimos años de la dictadura franquista, con el objetivo de analizar las implicaciones estéticas y políticas que tiene la presencia del cuerpo del/la artista. El objetivo es citar, hacer aparecer estas acciones y estos cuerpos aquí y ahora, para que puedan ser repensados desde distintos posicionamientos críticos que contribuyan a cuestionar el relato de la historiografía del arte contemporáneo en España.

Se analizarán documentación e imágenes de acciones en las que el cuerpo ocupa un lugar primordial. Son cuerpos que a través de la performance dicen, que se sitúan en el lugar de la enunciación, en un momento y en un contexto en los que había muchas cosas que no se podían decir. El cuerpo, por medio de la materialidad y la gestualidad, se hace lengua. Se da una apropiación del lenguaje que pasa por torcerlo, por generar fisuras en su interior. Cambiar la palabra por el cuerpo conlleva aquí una mediación estética, una pregunta sobre los modos de decir y un cuestionamiento sobre las formas de representar.

Sesiones:

Martes 9 de diciembre de 12:00 a 14:00 h. y de 16:30 a 20:30 h. Aula 3.06.

Miércoles 10 de diciembre de 10:00 h a 14:00 h. y de 16:30 a 18:30 h. Aula 3.06.

Paralelamente se realizará un pequeño ciclo de cine (horario por consensuar con los estudiantes)

Profesora responsable: Profª. Ana Navarrete.

Conferencia

FAKE: Nuria Carrasco interviene la realidad

FAKE: (falso ó fraude)

• Archivo informático, servidor o página web que se hace pasar por otro.
• Usuarios que suplantan a otros usuarios de foros, chats, etc. También se denomina así la poca credibilidad de una historia o comentario de un usuario.
• Montaje fotográfico manipulado realizado para poner en situaciones embarazosas a determinados.
• Campaña de contrapublicidad en la cual se coge como modelo una campaña ya conocida de alguna marca o institución pública en la se cambia el contenido pero no la imagen. Así se consigue captar la atención de un público ya perceptivo a esa información para proporcionarle una completamente diferente.

Profesor responsable: Prof. Gabriel Perezzan.

Taller + Concierto/ Performance

Panspermia Sonora. Tacto Electroacústico.

Taller: 15.30 h. Aula 1.08

Concierto/Performance: 19:00 h. Hall BB.AA.

“Hay germenes de seres organizados difundidos por todas partes que no se desarrollan hasta encontrar circunstancias favorables para ello. Este espacio pretende favorecer su desarrollo.”

Basándonos en la experiencia de creación colectiva Poliedro on line de Fabián Esteban Luna (Argentina) desarrollamos la experiencia Poliedro (2012) y Poliedro Sinestésico (2013) hoy con entidad propia: ‘Panspermia Sonora’.

Composición Musical Colectiva Multicanal con Julio Sanz Vázquez & Sylvia Molina y la colaboración de Javier Osona, Fabián Esteban Luna, Natalia Fariñas, Joaquín Díaz, Javier Alonso y Adrián Langreo.

‘Panspermia Sonora’ propone que los sonidos provienen de cualquier parte del universo, de cualquier parte del mundo, de cualquier parte de la tierra, de cualquier usuario…

‘Panspermia Sonora’ es un espacio de encuentro sonoro para utilizar el sonido como imágen, como olor, como textura… un sonido sinestésico, un mundo sonoro, que se inserta de forma natural en propuestas performáticas, intervenciones artísticas o en cualquier lugar donde se quiera hacerlo formar parte.

¿Cómo participar?
Este Taller pretende la creación de una composición colectiva basándonos en unos “DOGMAS” que serán el inicio detonante de toda la obra. “PANSPERMIA SONORA PARA UNA COMPOSICIÓN PERFORMANCE MULTICANAL”. Ven al taller y trabajaremos juntos o envíanos tus sonidos a través de nuestra web para formar parte de Panspermia Sonora.

Si no quieres trabajar con el sonido pero si interpretarlo, incorporare al concierto/performance… acércate al hall de nuestra facultad (ven de negro, tu cuerpo intervendrá en la imagen y el sonido a través de una Kinect) y… forma parte de la propuesta!
¡¡¡Bienvenidos a ‘Paspermia Sonora’!!!

Más en la Web de Panspermia Sonora y en su página de Facebook

Profesora responsable: Profª. Sylvia Molina.

Mr. Trazo

Nació como Mario Rodríguez, y procede de Brazatortas, un pequeño pueblo situado al sur de la provincia de Ciudad Real. Creció en un entorno natural con pocos medios lo cual le llevó a valorar aspectos de lo cotidiano de apariencia insignificante y que tendemos a ignorar, además, le enseñó a ser creativo, experimentar, y aprender que con casi cualquier cosa pueden crearse e inventarse otras.

Ha trabajado como diseñador gráfico, también realiza murales por encargo. Aunque la mayor parte de su producción la desarrolla en Cuenca, su obra se ha exhibido en salas de arte o se halla en el espacio público de ciudades como: Madrid, Barcelona, Tenerife, Ibiza, Wiesbaden, Lisboa ó Londres. Seleccionado por el programa de televisión Metrópolis para la exposición Metrópolis 30 años en vanguardia, una muestra coproducida por Fundación Canal y Televisión Española.

Paralelamente a su producción artística ejerce una labor como promotor de proyectos de Arte en el Espacio Público, propulsando acontecimientos como: Fehs al Bolut “Graffiti Rural”, Colours Street o Zarajos Deluxe “Street Artist Meeting”.

Conferencia/ Muestra audiovisual

Mi grito en la calle

A través de distintas formas de abordar el arte en la calle conoceremos la obra y nombre de algunos artistas, incidiendo mayormente en aquellos menos impulsados por los medios de comunicación, desconocidos mayormente por el ciudadano ajeno al arte y ajenos al arte urbano en concreto. Muchas de las tendencias y artistas mostrados contribuyeron a abrir la vía hasta llegar a aquello que popularmente se ha denominado Arte Urbano. Dentro del arte urbano tienen cabida múltiples disciplinas y su mezcla, sin embargo, no todo es válido. Se analizarán las diferencias entre arte urbano, graffiti, decoraciones urbanas o comerciales y artesanía urbana, también se abolirán algunos clichés que conciernen a estas manifestaciones artísticas.

Profesor responsable: Prof. Julio Sanz.

Taller

La calle blanca: Proyecto colectivo de intervención en el espacio público 

Los participantes del taller formarán parte de un proyecto colectivo de arte en el espacio urbano, coordinado por Mr. Trazo.

Entre una serie de conceptos propuestos se escogerán aquellos más acorde para trabajar en “La Calle Blanca”. El título del proyecto hace referencia a un fragmento de calle cuya totalidad es de color blanco (paredes, suelo, mobiliario) y que se concibe como un lienzo para la creación en el espacio público. Sobre el blanco del sitio destacan los distintos materiales y herramientas sorpresa, disponibles para modificar e intervenir nuestra calle de manera bidimensional o tridimensionalmente e interactuando con el contexto.

Sesiones:

Miércoles 10 de diciembre: de 16:00 a 18:00 h.

Jueves 11 y viernes 12 de diciembre: de 11:00 a 14:30 h. y de 16:00 a 18:00 h.

Plazas e inscripción:

Se limita la actividad a un máximo de 12 alumnos. La preinscripción se realizará a través de email dirigido a julio.sanz@uclm.es hasta el jueves 4 de diciembre. Deberá incluirse en el email algún enlace al portafolio de los interesados o alguna imagen de su trabajo relacionado.

Profesor responsable: Prof. Julio Sanz.

Conferencia

Escarbando entre los Escombros

El artista siempre ha sido un gran reciclador de la historia, escarbando entre los escombros del pasado para dar sentido a su presente. A lo largo del siglo XX, lo descartado comienza a incorporarse literalmente en la obra de arte. Desde el readymade de Duchamp, que da un nuevo sentido artístico a objetos abandonados, hasta el Pop Art, que fija su mirada en la producción masiva de productos de usar y tirar, es difícil entender el arte contemporáneo sin esta fascinación por el residuo. En un presente preocupado por el medioambiente, encontramos diversos fotógrafos que documentan el paisaje excremental de la sociedad del consumo, o diversos artistas que encuentran en basureros y chatarrerías material para construir sus proyectos. En todos estos trabajos descubrimos que a una sociedad se la conoce por sus basuras. En la conferencia “Escarbando entre los Escombros”, Daniel Canogar hablará de sus propios proyectos creativos, y como sus instalaciones con material electrónico obsoleto se insertan en esta particular tradición artística.

—Daniel Canogar

Canogar hablará del proyecto que acaba de realizar en Times Square, Nueva York.

Descubre mucho más en: www.danielcanogar.com

Conferencia

El entierro del señor de Orgaz: historia, pintura y mensaje. 

La conferencia lleva a cabo un “desmenuzamiento” completo de la obra de El Greco desde múltiples ángulos:

• Histórico
• Técnico
• Compositivo
• Narrativo
• Iconográfico
• Didáctico

Para alumnos del Máster de Profesor de ESO y Bachillerato, alumnos del Máster de Investigación en Prácticas Artísticas, alumnos de Pintura, Historia del Arte, etc., alumnos de la Escuela de Arte, aficionados al arte y a la historia, etc.

José Lebrero. Conferencia. 16 de diciembre.

Paloma Polo. Conferencia. 16 de diciembre.

Albert Serra. Conferencia. 16 de diciembre

Conferencia

La exposición como herramienta 

Conferencia

Perspectivas críticas sobre el discurso ideológico del arte contemporáneo

La actual constelación del capitalismo global, que ha probado ser brutalmente dañina para los derechos humanos, se ha tornado vulnerable como resultado de su propia crisis. Esta condición abre un espacio para la construcción de alternativas desde las que nuevos sentidos y conocimientos en las esferas políticas, económicas y culturales de la sociedad global pueden tomar forma. Este desafío atañe a la urgente tarea que el trabajador cultural, como artista y pensador político, ha de desarrollar en la actualidad. Un requisito para enfrentar dicha tarea es la reflexividad que debe de sostener toda crítica de las premisas ideológicas que conforman la práctica artística.

Conferencia

Albert Serra