En la medida en que la hegemonía es siempre producto de una alianza entre diferentes grupos, la respuesta a la pregunta ‘¿Quién le tiene miedo a la investigación artística?’ tendrá que describir esos diferentes grupos y la manera en la que la alianza hegemónica entre ellos es construida. Como toda futura contrahegemonía estará siempre basada en una alianza alternativa entre diferentes grupos, podría también uno intentar describir qué tipo de alianzas puede tener un potencial contrahegemónico. Mi hipótesis es que el concepto de investigación artística y la formación de un discurso acerca de la investigación artística son temidos tanto por los grupos en la academia artística y en el mundo del arte como por los grupos dentro de la universidad y el mundo científico.
(Lesage “Who’s afraid of artistic research?”, 5)

De este breve pasaje tomado del artículo “¿Quién le tiene miedo a la investigación artística?” se desprende el planteamiento desde el que estas sesiones quisieran desplegarse: planteándose los desencuentros y disputas institucionales entre las prácticas artísticas y las de investigación. En realidad, esta perspectiva tiene poco de original. No se trata mucho más que de preguntarse quién tiene el poder sobre las formas de conocimiento y quiénes y por qué habrían de retar ese poder. Lo que se propone, a partir de ahí, es localizar el debate al respecto en el contexto de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca. ¿Cuáles son las instituciones hegemónicas en la producción, distribución y acceso al arte? ¿Y respecto al conocimiento? ¿Cuál es la formación de los artistas? ¿Tiene esa formación algo que ver con el conocimiento formal universitario? ¿Se cruzan o retan mínimamente? Partiendo, así, de una concepción del arte en la que éste está ineludiblemente inscrito en la distribución de los modos de hacer y conocer –haciéndonos eco de la división de lo sensible de Jacques Rancière– la cuestión sería interrogarnos sobre qué lugar ocuparían en el contexto inmediato de los estudiantes las prácticas artísticas en esa distribución de haceres/saberes.

—Alberto López Cuenca

El artista Rolf Abderhalden nació en Manizales, Colombia, en 1965. Inició sus estudios en Arte Terapia, en la Escuela de Altos Estudios Sociales y Pedagógicos en Lausanne, Suiza. Continúo sus estudios de postgrado en teatro en la Escuela internacional de Teatro de Jacques Lecoq, y posteriormente se especializó en escenografía en el Laboratorio de Estudios del Movimiento Lem de la Escuela Superior de Bellas Artes de París. Ganador de la Beca Milagros de Arte Dramático en Suiza; Hizo especialización en dirección teatral en la Academia Nacional de Arte Dramático de Roma.

Su amplia producción artística pretende articular distintas experiencias y lenguajes de la vida y el arte, incluyendo la performance, la instalación y la video-instalación. Su obra plástica ha sido presentada y expuesta principalmente en espacios no convencionales de Europa y América. Abderhalden es tallerista de la División de Artes Plásticas de la Biblioteca Luís Ángel Arango, y desde 1986 es profesor de planta de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia.

En 1984 funda MAPA TEATRO junto con Heidi Abderhalden. Desde su creación, está compañía ha construido un universo dentro del ámbito de las Artes Vivas, lugar propicio para la trasgresión de fronteras disciplinares, para la fusión de lenguajes y lecturas y la articulación de problemáticas locales y globales. Ha generado un espacio de migraciones donde se desplazan continuamente el mito, la historia y la actualidad; los géneros (teatro, ópera, obras radiofónicas, video-sonido-instalaciones, intervenciones urbanas y acciones plásticas); los autores y las épocas (Esquilo, Müller, Shakespeare, Sarah Kane); las geografías y las lenguas (La Noche/Nuit en francés y español ,Muelle Oeste en ruso, Un señor muy viejo con una alas enormes en Tamul, De Mortibus en inglés, francés y español); la palabra, la imagen y el movimiento (Psicosis 4:48); lo real y lo virtual (La limpieza de los Establos de Augías); los escenarios de lo real y la representación (Proyecto Prometeo, Testigo de las Ruinas). De ahí su interés por la traducción de escrituras dramáticas al castellano (Shakespeare, Beckett, Koltès, Müller) y la transposición escénica de obras y de mitos clásicos al mundo contemporáneo (Horacio, Orestea ex Machina, Ricardo III, Prometeo); la transposición de texto a imagen y a sonido (La limpieza de los establos de los Augías, Prometeo, Flauta Mágica, Psicosis 4:48). En los últimos años, MAPA ha hecho énfasis en la dimensión colectiva de la creación y la elaboración de sentido. A través de “laboratorios del imaginario social”, MAPA ha generado procesos de experimentación artística, que se desarrollan simultáneamente en el ámbito de lo real y en el ámbito simbólico, con la creación temporal de comunidades experimentales al invitar a distintos grupos de personas para que se constituyan en sujeto colectivo.

Modo de inscripción: en el despacho de la Gestora de Apoyo, María Dolores Gil Martínez, despacho 1.20-A.

Learning to Read_Learning to Relate_ es un proyecto de taller y encuentro en colaboración con todos aquellos alumnos interesados en una experiencia de confrontación critica de conocimiento y diálogo en torno a la experiencia de elaboración estética.

El taller pensado para 5 sesiones de aproximadamente 5 horas de duración cada una, estará orientado a la concepción y articulación de un proyecto individual y al diálogo en común que esos proyectos puedan generar.

Cada sesión diaria se abrirá con presentaciones informativas sobre MINIMAL, CONCEPTUAL, PERFORMATIVIDAD y ESTÉTICA RELACIONAL. Las segundas partes de cada sesión estarán reservadas a la elaboración y el intercambio de ideas en torno a los proyectos a desarrollar y su proceso de articulación conceptual y producción material.

Las sesiones aportarán a los participantes conocimiento e información de proyectos realizados por artistas de importante relevancia en el campo de las prácticas de arte contemporáneo; a la vez que ofrecerán margen para el diálogo y tiempo para la elaboración de un proyecto propio que será confrontado críticamente por el interesado y sus compañeros participantes.

La última sesión se abrirá con la presentación de algunos proyectos recientes de Jesús Palomino realizados en Alemania, Malasia, Rusia, Noruega, España, etc.

La experiencia de encuentro tendrá un marcado carácter dialógico y propondrá una sencilla acción titulada BUILDING MYSELF OUTDOORS con la que los participantes podrán identificar sus referentes estéticos personales, a la vez que las implicaciones simbólicas e históricas de estos mismos referentes. Toda esta experiencia de sencilla performatividad estará orientada a la elaboración de un proyecto personal durante el tiempo del taller.

—Jesús Palomino

Los participantes deberían llevar a la primera sesión una serie de objetos seleccionados para poder trabajar con ellos:

1. Una obra musical o de sonido (o su referencia a ella).
2. Una obra literaria o de texto (o su referencia a ella).
3. Una obra arquitectónica (o su referencia a ella).
4. Una obra de imagen en movimiento (o su referencia a ella).
5. Una imagen fotográfica realizada por otra persona (o su referencia a ella).

Imagen: Learn To Read Art Poster Edition, 1991. Lawrence Weiner.

“Uno de los desafíos más grandes para el artista consiste en hallar formas de hacer  sonar  una  alarma  que  la  gente  no  quiere  forzosamente  oír”  (Transnational Temps,  2007)

El ecofeminismo puede ser entendido como el encuentro de la reflexión feminista y aborda uno de los problemas más urgentes: la crisis ecológica (Alicia Puleo). Las prácticas artísticas ecofeministas que proyectamos son aquellas que podrían, además, calificarse de artivistas… o eco-artivistas, esto es: prácticas  artísticas  que  manifiestan  un compromiso con  la  preservación  de  la  biosfera  y  reivindican  una  actitud  respetuosa  con ella. Hereder@s del arte activista que se inició en los 60 y 70, seguimos desafiando fronteras, las que definen la cultura, la educación, la política, las dibujadas en los mapas, las que contienen la práctica del arte…

—Verónica Perales Blanco,
artista multimedia e investigadora, co-fundadora de Transnational Temps (2001).

Profesora responsable: Sylvia Molina.
Colaboran: Departamento de Arte, UCLM, Fabián Esteban Luna, Javier Osona, Daniel del Saz, Natalia Fariñas, Adrian Langreo y el grupo de investigación UCLM ‘Fuzzy Gab .4’.

“Hay germenes de seres organizados difundidos por todas partes que no se desarrollan hasta encontrar circunstancias favorables para ello. Este espacio pretende favorecer su desarrollo.”

Basándonos en la experiencia de creación colectiva Poliedro on line de Fabián Esteban Luna (Argentina) desarrollamos la experiencia Poliedro (2012) y Poliedro Sinestésico (2013) hoy con entidad propia: ‘Panspermia Sonora’.

Composición Musical Colectiva Multicanal con Julio Sanz Vázquez & Sylvia Molina y la colaboración de Javier Osona Segovia , Fabián Esteban Luna, Daniel del Saz, Natalia Fariñas, Javier Alonso, Joaku De Sotavento y Adrián Langreo.

‘Panspermia Sonora’ propone que los sonidos provienen de cualquier parte del universo, de cualquier parte del mundo, de cualquier parte de la tierra, de cualquier usuario…

‘Panspermia Sonora’ es un espacio de encuentro sonoro para utilizar el sonido como imágen, como olor, como textura… un sonido sinestésico, un mundo sonoro, que se inserta de forma natural en propuestas performáticas, intervenciones artísticas o en cualquier lugar donde se quiera hacerlo formar parte.

¿Cómo participar?
Este Taller pretende la creación de una composición colectiva basándonos en unos “DOGMAS” que serán el inicio detonante de toda la obra. “PANSPERMIA SONORA PARA UNA COMPOSICIÓN PERFORMANCE MULTICANAL”. Ven al taller y trabajaremos juntos o envíanos tus sonidos a través de nuestra web para formar parte de Panspermia Sonora.

Más información en la Web de Panspermia Sonora y en su página de Facebook

Alberto López Cuenca es Profesor investigador en la Maestría de estética y arte de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla y doctor en Filosofía por la Universidad Autónoma de Madrid. Sus ámbitos de investigación son la teoría del arte contemporáneo; prácticas artísticas, autoría y nuevas tecnologías; y, trabajo creativo y postfordismo. Sus contribuciones han aparecido en publicaciones internacionales como Afterall, ARTnews, Culture Machine, Lápiz, Curare o Revista de Occidente. Como crítico y reseñista ha sido colaborador habitual del suplemento cultural del diario ABC y de Revista de Libros, ambos en Madrid. Ha impartido conferencias en distintas instituciones académicas y culturales en Argentina, Brasil, Ecuador, España, México, Reino Unido y Turquía. Ha coeditado dos libros, Propiedad intelectual, nuevas tecnologías y libre acceso a la cultura (2008) y ¿Desea guardar los cambios? Propiedad intelectual y tecnologías digitales: hacia un nuevo pacto social (2009). Su próximo libro, publicado por el Centro de Cultura Digital en México lleva por título Los comunes digitales. Nuevas ecologías del trabajo artístico. Ha sido Profesor invitado en Columbia University en Nueva York y en Goldsmiths, University of London, y docente en la Universidad Autónoma de Madrid, así como en la Universidad Iberoamericana y el Centro Nacional de las Artes, en México, D.F. y la Universidad de las Américas, Puebla, donde ha sido coordinador de posgrados y director del Grupo de investigación del Doctorado en Creación y teorías de la cultura, donde coordinó el proyecto “La epistemología más allá del texto: prácticas culturales en la era de la información”, financiado por CONACyT. Actualmente realiza una estancia como investigador invitado en la UCLM.

Si te interesa el diseño, la comunicación, la creatividad y el buen periodismo y no conoces Brands and Roses – Yorokobu, no sabes lo que te has estado perdiendo. Pero, como una imagen vale más que mil palabras, te lo contamos con una infografía:

Su primer proyecto editorial fue Yorokobu que significa “estar feliz” en japonés y es una publicación impresa y un blog de referencia en el mundo de la comunicación, la creatividad y el diseño. Cómo crear contenidos, contando  historias de una manera diferente, y cuidando  al máximo el diseño y la maquetación con los mejores recursos visuales es lo que nos contarán, entre otras muchas cosas, Rocío Martí, socia fundadora de Yorokobu, responsable publicidad y contenidos para las marcas, y Fermín Abella, socio fundador y director general.

Pero ojo, que Brands & Roses – Yorokobu, no es sólo su primer proyecto. Así que si, antes de venir a conocer a Rocío y Fermín, quieres conocer con más detalle su trabajo, puedes comenzar por hacerles una visita en brandsandroses.com

Pedro G. Romero

Opera como artista desde 1985. Actualmente trabaja en dos grandes aparatos, el Archivo F.X. y la Máquina P.H. Participa en UNIA arteypensamiento y en la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Es comisario/curador del proyecto Tratado de Paz para la Capital Cultural DSS2016. Desarrollando el proyecto Máquinas de Vivir. El flamenco y la arquitectura en la ocupación y desocupación de espacios, se ha presentado en la Bienal de Berlín, el CGAC de Santiago de Compostela , la Tabakalera de Donostia/San Sebastián, la Secession de Viena, el Kunstverein de Stuttgart, en la Noche del Macba de Barcelona, el programa del Teatro Pradillo/MNCARS y el Espacio Nunca, Nadie, Nada, No de Madrid y UNIA arteypensamiento en Sevilla.

Julio Jara

Artista y cantante, impulsa el proyecto Dentro/Fuera, sito en la Fundación San Martín de Porres de Caño Roto. Conoceremos su mecánica de trabajo con los excluidos y el tratamiento coral que dan a su labor: “En este sentido, trabaja activamente con palmas, olés, jaleos y acompañamiento”. Deberíamos recordar también su proyecto como cantaor del Infrapayo y las rumbas recopiladas de Quincalla, todo un trabajo lingüístico que pone sus dos patas, a la vez, en las vanguardias radicales y en las culturas del lumpen urbano. www.fundacionsmp.org/spip.php?article45 

Santiago Cirugeda

Arquitecto fundador del estudio Recetas Urbanas. Su campo de acción está entre la arquitectura de reciclaje, estructuras desmontables, lógicas de ocupación y apropiación del espacio público, participación ciudadana e incluso ciberactivismo. Durante 10 años ha participado en proyectos de intervención y mejora barrial en diferentes países, uno de los cuales se centró en el asentamiento informal de As Rañas, Coruña. www.recetasurbanas.net/v3/index.php/es/

Niño de Elche

Artista, cantaor innovador y comprometido con sus ideales políticos y sociales. Con un pasado sumergido en el flamenco más clásico se definió artísticamente con la incursión en otras disciplinas artísticas como la performance, la música experimental, el artivismo o la poesía. Combina discos propios: Mis primeros llantos (2007), Sí, a Miguel Hernández (2013) y Voces del Extremo (2015), con proyectos colectivos ‘Raverdial’ junto a Los Voluble, ‘Cantes Tóxicos’ con Los Flamencos (Isaías Griñolo y Antonio Orihuela), ‘Vaconbacon’ con bulos.net, por citar algunos. www.ninodeelche.net

María García Ruiz

Licenciada en Arquitectura por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Granada. Dentro del colectivo FAAQ ha desarrollado proyectos artísticos colaborativos relacionados con la producción social del territorio, principalmente desde dos líneas de actuación: una relacionada con la construcción de la imagen y el imaginario de la ciudad, y otra con la intervención en los espacios públicos. Actualmente explora las relaciones entre arquitectura y flamenco a través del proyecto Máquinas de vivir. Arquitectura y flamenco en la ocupación y desocupación de espacios.

Programación

El taller que impartirá Pedro G. Romero, consistirá en una serie de trabajos en archivos y sesiones teóricas diarias a cargo del artista y María García Ruiz, seguidas de una actividad.

Proyección de la película Der Geldkomplex / El complejo del dinero
Lunes, 9 de noviembre, 18.30 h.
Salón de Actos de la Facultad de Bellas Artes

Encuentro con el director, Juan Rodrigáñez, en conversación con Rafael Lamata.
Martes, 10 de noviembre, 11.00 h.
Aula 111

Sinopsis

El hijo de Rafael regresa a la finca familiar para presentar a su novia y anunciar sus planes de boda. En la casa viven también los mejores amigos de su padre: Francisca, Henry, Lucas y Domingo, todos ellos víctimas de un complejo de dinero.

Notas del director

Al decidir seguir la propuesta de Franziska von Reventelow: “Vamos a hacer como si el dinero fuera la única cosa importante”, corríamos el riesgo de no llegar a encontrar nada más que una ironía dolorosa, un sentimiento que conocemos demasiado bien. Pero también nos daba la oportunidad de trabajar con máscaras, interpretar un teatro de verano, poner distancia con una situación que ciertamente define nuestro día a día. (…) Pero no hay un centro en las escenas. No hay un centro en la película. Hay un flujo de ideas que es imposible reducir a un solo significado. La idea era que la cámara guardara una distancia para preservar el aura de cada uno de los actores. Decidimos no entrar en los dormitorios. En tanto que el primer plano es una herramienta básica para cargar psicológicamente una película, y como esta película nunca ha querido ser dogmática, también filmamos algunos primeros planos. (…) El cine es un trabajo duro de hacer, quizá por eso ha fracasado. Es agresivo, o mejor dicho: puede ser muy agresivo con la realidad. La cámara sabe más que nosotros. Cuando es posible la ficción, la representación, entonces la realidad se vuelve feliz. (…) Una reunión de amigos. Su entusiasmo radica en su libertad. A mayor libertad, mayor entusiasmo. Y viceversa. El castigo de aquellos que no se sometan a la moral del trabajo será padecer un complejo de dinero. Sea lo que sea siempre tendrá que ver con enfrentar la realidad. Exceso de ocio, pero más allá: ausencia de experiencia. La angustia de los planos improvisados. ¿Cuándo empiezan, cuándo terminan? El cine nos hace más fuertes, más conscientes de nuestra fragilidad. Más capaces de asumirla.

Más información: https://www.dergeldkomplex.com

Seminario-Taller CoLAb-Cuenca 2015: “La articulación y el desarrollo de los relatos sociales”

Se acaba de abrir la convocatoria para participar en el Seminario Taller CoLAb-Cuenca 2015  “La articulación y el desarrollo de los relatos sociales” en el que ayudaremos a conformar distintos grupos de trabajo colaborativos y multidisciplinares en torno a proyectos que presenten los propios participantes bajo una temática de amplio carácter social. En este seminario se tratará de la importancia de articular y desarrollar los propios relatos como una herramienta fundamental de empoderamiento, participación y regeneración social.

Este taller-seminario se desarrollará en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca del lunes 16 al jueves 19 de Noviembre de 10;00 a 14;00 y de 16;30 a 20;30  en el Aula 111

Objetivos:

– Ayudar a formar grupos de trabajo colaborativos e interdisciplinares en torno a proyectos de carácter social, presentados por los propios participantes que traten el tema de lo social desde cualquier punto de vista y que estén interesados por conocer y desarrollar nuevos métodos participación y comunicación, como pueda ser el lenguaje audiovisual o digital en el espacio público, la web, etc.

– Mantener en el tiempo una comunidad activa de usuarios  a través del desarrollo de estos proyectos colaborativos.

– Ofrecer diferentes formas de participación (presencial/virtual) que permitan la colaboración de personas con distintos perfiles (artístico, científico, técnico), diferentes niveles de especialización (expertos y principiantes) y distintos grados de implicación.

Si estás desarrollando o piensas desarrollar un proyecto que trabaje en lo social que necesite colaboración, o si quieres colaborar de forma totalmente abierta y horizontal en uno de los grupos de trabajo, inscríbete en este seminario-taller a través de la URL: 

https://colab.uclm.es/index.php/colab-cuenca-inscripcion/

En torno a los proyectos presentados por los propios participantes se analizarán en común las distintas posibilidades de desarrollar medios, lenguajes y estrategias de empoderamiento, así como la relación que pueda establecerse con cualquier área de conocimiento como puedan ser las prácticas artísticas, el conocimiento científico, las nuevas tecnologías y el pensamiento, por lo que cada proyecto desarrollará sus propios relatos,  formas de participación, comunicación y difusión.

Buscamos:

– Proyectos que trabajen en lo social y que necesiten cualquier tipo de colaboración.

– Colaboradores expertos y principiantes de cualquier área de conocimiento dispuestos a participar de forma abierta y horizontal en los distintos proyectos que se presenten.

Participarán los profesores invitados:

Daniel García Andújar, artista visual de los medios y activista social.

https://www.danielandujar.org/

https://www.museoreinasofia.es/exposiciones/daniel-garcia-andujar-sistema-operativo

Áurea Martínez Fresno, guionista, dramaturga, directora, documentalista  y vídeo-artista.

Lugar de celebración de los talleres:

Facultad de Bellas Artes (UCLM): Edificio Antonio Saura C/ Santa Teresa Jornet s/n Aula 111; LAMOSA, asociaciones de barrio y otros espacios que irán surgiendo.

Cronología de trabajo:

– Lunes 16 Noviembre (Aula 111) de 12 a 14: Presentación pública de todos los participantes (profesores invitados, proyectos y colaboradores) en los que cada uno desplegará su propio perfil, objetivos y expectativas personales. De 16;30 a 20;30 Formación de los grupos de trabajo. Desarrollo de un primer plan de trabajo para todo el período del seminario-taller.

– Martes 17 Noviembre: de 10 a 14h. Y de 16;30 a 20;30: Primeras reuniones con los profesores invitados y colaboradores (por separado o en grupo) dependiendo de las necesidades de cada grupo de trabajo. Visita a los distintos espacios que se requieran (LAMOSA;  Permanencias…). Resumen de los avances y plan de trabajo de la siguiente jornada.

– Miércoles 18 de Noviembre: de 10 a 14h.  y de 16;30 a 20;30: Presentación de los trabajos de Daniel García Andujar (de 11- a 2: Net-art_ “Technology to the people”) y Áurea Martínez Fresno. Resumen de los avances y plan de trabajo de la siguiente jornada. Presentaciones de proyectos con mesas de discusión abiertas.

– Jueves 19 de Noviembre: de 10 a 14h y de 16;00 a 20;00 Finalización y presentación del estado de los proyectos. Cada grupo planteará la posibilidad de poder continuar en el tiempo los trabajos de forma tanto presencial como virtual para poder presentar en 2-3 meses los resultados definitivos en una acto público abierto a todo el mundo en el Aula Magna de la facultad de BBAA de Cuenca.

Para más información e inscripción del proyecto accede a la URL: https://colab.uclm.es/

o envía un mail a:  colabcuenca@gmail.com

Anímate a presentar tu proyecto!

Este seminario es un proyecto del Grupo de investigación Colaboratorio LPCI Laboratorio de Proyectos Colaborativos Interdisciplinares (UCLM):

https://dugi-doc.udg.edu/bitstream/handle/10256/3821/111.pdf?sequence=1

https://medialab-prado.es/article/colaboratorio_lpci_presentacion_de_proyectos     

https://medialab-prado.es/article/presentacion_colab_jartum

En este taller observaremos y practicaremos el comportamiento de las cosas. Trabajaremos con acciones donde el cuerpo activa “cosas” en el espacio. Estas cosas serán diversos objetos y materiales pero trabajaremos con ellos como “cosas” sin importarnos lo que el objeto represente o su utilidad, lo que tendremos en cuenta son sus características como materia: peso, color, textura, forma, dureza, fragilidad, maleabilidad, densidad etc. y de estas características dependerá su comportamiento y coreografía en el espacio y el tiempo. La activación de las cosas desde el cuerpo podrá ser dada por interacción, manipulación o movimiento. A través de acciones coreográficas como dejar caer, suspender, empujar, elevar, soltar, desplazar, tensar, apilar, ocultar etc. crearemos paisajes en movimiento, proponiendo al espectador/observador un estado de contemplación donde se ponen en juego la híper-atención, la expectación, el suspense y la emoción.

—Cuqui Jerez

Cuqui Jerez es coreógrafa y performer. Después de trabajar como intérprete con diversos coreógrafos en Europa en los años noventa, comienza a desarrollar su trabajo coreográfico en 2001. Desde entonces ha creado piezas escénicas y videos que se han presentado en numerosos festivales en Europa y Latinoamérica. Su principal actividad es la creación pero también participa en diversos proyectos de investigación, curatoriales, de docencia y publicaciones.

Taller dirigido a estudiantes de Máster y 4º de Grado.
Número de plazas: 20

Inscripciones: María Dolores Gil.
La selección se hará por orden de inscripción, teniendo prioridad los estudiantes de Máster.

Más información: Isis.Saz@uclm.es o JoseA.Sanchez@uclm.es

El taller tiene un enfoque práctico y está dirigido a todos los estudiantes quieran colaborar en un equipo de trabajo coordinado por el artista Roberto de la Torre. El objetivo es emprender un proyecto in situ en la propia Universidad o bien en un espacio de carácter público o privado que sea de interés para los participantes. El proyecto podrá ser de carácter multidisciplinario, también será posible trabajar con diferentes medios y expresiones dentro del campo de las artes siempre y cuando se justifique con respecto al tema de trabajo propuesto.

—Roberto de la Torre

Roberto de la Torre (México, 1967). Artista visual. Vive y trabaja en la ciudad de México. Estudió Artes Visuales en La Esmeralda y actualmente es docente en dicha escuela. Ha participado en diversos festivales de arte nacionales e internacionales, su obra se ha presentado diecisiete países alrededor del mundo, en regiones como América del Norte, América del Sur, Europa y Asia. En el transcurso de su carrera ha obtenido diversos reconocimientos, apoyos, becas y ha trabajado en diferentes residencias artísticas. Sus proyectos han sido publicados en medios locales y extranjeros. Actualmente forma parte del programa de apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Arte, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), en el área de medios alternativos, (2012-2015). También forma parte el programa Artist Pension Trust (APT).

Roberto de la Torre trabaja con elementos temporales y contingentes, usualmente su obra se genera en el ámbito público donde concibe obras en las que no sólo intervienen las características visibles de los objetos, sino que involucran tanto a los objetos como a sus efectos y posibles relaciones. Sus ideas se concretan tanto en acciones efímeras, como en piezas escultóricas, arquitectónicas, experiencias sensoriales e instalaciones a través del uso de diferentes medios para espacios determinados o happenings de colaboración en ambientes con un gran número de participantes. En general su obra es una documentación de lo transitorio. El eje de su trabajo oscila entre cuestiones sociales que se dan en el contexto local, pero también en un contexto global, llevando algunas veces situaciones particulares de uno al otro. De la Torre revela una conciencia acerca de las condiciones formales y espaciales de los lugares que retoma en su trabajo, incluyendo los efectos y relaciones que estos pueden suscitar. Una tensión entre lo físico y lo intelectual impregna el tejido de sus piezas en las que el autor ha desarrollado la noción de “escultura social”, en trabajos que implican complejas negociaciones sociales, tanto en cuestiones de permisos, como de participación en cada pieza.

www.robertodelatorre.com

Fechas: del 23 de noviembre al 4 de diciembre

Horarios: El taller comenzara el lunes 23 de noviembre a las 16.00 h. En función de los participantes, se decidirá el horario u horarios de trabajo más adecuados para garantizar la máxima participación y aprovechamiento.

Número de plazas: 15

Participantes: dirigido prioritariamente a estudiantes de Máster y 4º de Grado. Estudiantes de 2º y 3º con un especial interés, pueden solicitar su inscripción adjuntando una carta de motivación.

Inscripciones: María Dolores Gil (Secretaría del Centro)

Más información: Isis.Saz@uclm.es